Velázquez
Pope
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miércoles, 28 de octubre de 2009
Sculpture: Greek arcaic sculpture. Part 2, Escultura: Arcaica griega. Parte 2
Apolo de Piombino
Auriga de Delfos
Frontón del Templo de Korfú
Moscóforo
Trono Ludovisi . Nacimiento de Venus
Music: Hong Kong Chinese Orchestra Concert. 黃安源：二泉映月(全象牙二胡)
香港中樂團音樂會DVD
黃安源的胡琴世界－－胡琴之路(加演曲)
獨奏：黃安源
指揮：閻惠昌
樂隊：香港中樂團
時間：2005年4月29－30日
地點：香港文化中心音樂廳
Hong Kong Chinese Orchestra Concert DVD
Fuentes Wong mundo huqin - Música de la hoja de ruta del erhu (canción Encore)
Solista: Wong on-Yuen
Director: Yan Huichang
Grupo: Hong Kong Chinese Orchestra
Tiempo: Abril 2005 29-30
Lugar: Hong Kong Cultural Center Concert Hall
Sculpture: Greek arcaic sculpture. Part 1, Escultura: Arcaica griega. Parte 1
Kouros
Kouros de Anavysos
Kouros de Anavysos
Dama de Auxerre
Moscóforo
La figura humana (clic aquí Arte Historia) es el leit-motiv de la escultura griega. Desnudo o vestido, en reposo o en movimiento, erguido o sedente, el cuerpo humano polarizó la atención de los escultores y fue permanente objeto de estudio. Los escultores arcaicos en un principio se inspiraron en modelos orientales, más concretamente, egipcios, pero en seguida siguieron derroteros propios y, lo que es más importante, siempre se atuvieron a criterios propios, lo que les garantizaba la originalidad. Un breve repaso al tema de kouros lo hace ver con claridad.
El kouros es, ante todo, el tipo escultórico que crearon los griegos para representar el ideal de belleza masculina.
Conceptual y formalmente el esquema se origina mucho antes de comienzos de época arcaica, pues lo habían desarrollado los egipcios dotándolo de rasgos característicos fáciles de reconocer: postura hierática y frontal; pies sólidamente asentados en el suelo; pierna izquierda adelantada; brazos caídos a lo largo del cuerpo y manos cerradas pegadas a los muslos; cabeza cúbica adornada por una melena larga y maciza. La figura no deja de evocar lo que fue antes de ser tallada: un bloque de mármol. A comienzos del período arcaico las cuatro caras del bloque se labran sin cohesión, de ahí que la figura presente cuatro aspectos independientes, según se contemple el frente, el dorso o los costados. Poco a poco comienza la búsqueda de la organicidad, de la unicidad plástica, hasta que desaparece la forma prismática, gran triunfo de los maestros del arcaísmo.
Diferencias estructurales básicas respecto al modelo egipcio son la ausencia de un apoyo por la parte posterior y la desnudez total, por lo que el kouros resulta una escultura exenta, que se sostiene a sí misma, libre de aditamentos. El origen del tipo escultórico remonta al siglo VII, sin que conozcamos bien su significado; puesto que las estatuas de kouroi aparecían en lugares de culto y en tumbas, se pensó que podrían ser representaciones de Apolo, o bien estatuas funerarias. Esta segunda posibilidad es del mayor interés, pues plantea la cuestión de si se trata de una representación genérica o de un difunto determinado, cuestión que, a su vez, suscita otra de contenido iconográfico, es decir, en qué medida reflejan rasgos individualizados.
Los primeros kouroi se esculpen en las islas, pues ejemplares muy antiguos proceden de Delos, Naxos y Samos. Hacia finales del siglo VII y comienzos del VI el Atica y el Peloponeso producen obras tan representativas del alto arcaísmo como el Kouros de Sounion, el del Metropolitan Museum de Nueva York y la pareja Cleobis y Bitón del Museo de Delfos, obras de los años 610-590. Pese a la afinidad esencial en la interpretación del esquema tipológico, se ve en ellas la impronta de las respectivas escuelas; así, por ejemplo, en los kouroi de Sounion y Nueva York el torso, las rodillas, la cabeza y el peinado están mucho más próximos entre sí que respecto a Cleobis y Bitón. Estos dos se atribuyen al escultor argivo Polymedes y se caracterizan por la rotundidad de los volúmenes y por una corporeidad maciza.
Los kouroi áticos carecen de aquella hinchazón, son más descriptivos y demuestran el interés de los escultores por el modelado, ya sea en un gigantón de
En relación con la técnica hay que destacar la preferencia de los escultores arcaicos por trabajar con puntero, como bien refleja la apariencia de la superficie del mármol. En las melenas de los kouroi, formadas por cascadas de bolitas uniformes, se constata la perfección y la plasticidad que estos maestros lograban con ese instrumento.
Durante el segundo cuarto del siglo VI dos obras procedentes de
Con el Jinete Rampin se alcanza la cima de la primera etapa del arcaísmo. Es la estatua ecuestre más antigua de Grecia y una de las más atractivas entre las muchas del Museo de
Durante el arcaísmo medio se consigue un planteamiento más orgánico y un modelado más minucioso, o sea, más pendiente de la plasticidad de los detalles. Así lo demuestra un grupo de kouroi, al que da nombre el ejemplar más sobresaliente de la serie, el Kouros de Tenea. Procede de un taller corintio, en el que hacia 550 se habían hecho progresos considerables en lo referente a la tensión y esbeltez de la figura, rasgos fáciles de reconocer en él. Contornos movidos, dinamismo fluido por todo el cuerpo, rostro animado con la típica sonrisa arcaica; incluso el peinado refleja el esfuerzo por ganar movilidad. Muy distinto al Kouros de Tenea y algo posterior, hacia 530, es el Kouros de Anavysos procedente del Atica. Predominan en él las formas masivas, blandas, más naturales, todo ello fruto de una evolución estilística, en la que, además, deben ser valorados detalles como el ojo menos saltón, con la mirada fija en un punto, y la oreja modelada conforme a un criterio más realista.
A finales de esta etapa se producen cambios importantes, entre los cuales destaca el del peinado. Se impone la moda del pelo corto como una especie de casquete adherido al cráneo, cuya redondez acentúa. Ejemplo inmejorable es la preciosa cabeza Rayet, prodigiosa en la tensión unitaria que salta del mentón a los pómulos, de éstos a los ojos y acaba en el contorno de la bóveda del cráneo. En esa línea está el Kouros del Atica, próximo al de Anavysos, y aún es superada por el Aristodikos, obra de hacia el año 500 típica del bajo arcaísmo. Su postura es más suelta, relajada y natural, a consecuencia de tener los hombros ligeramente cargados, el pecho henchido y el estómago plano.
Comparado con el kouros de Anavysos, en el que contornos de brazos y costados todavía van paralelos, el Aristodikos sorprende por la relación más compleja y rica entre sus miembros, sin olvidar que el modelado logra crear efectos de auténtica relación entre la estructura ósea y la carne.
Significa todo esto que al final de la época arcaica se habían salvado no pocos escollos, aunque quedaba por resolver el problema de la ponderación, es decir, la repercusión del peso del cuerpo sobre cada una de sus partes, cuando las piernas realizan funciones distintas. En los talleres áticos esta cuestión suscitaba gran inquietud, pues ya el Aristodikos preludia la solución, que no se logra plenamente sino con el Efebo de Kritios, obra que inaugura el estilo severo a comienzos de la alta época clásica.
Sculpture: Arp Jean. Part 1, Escultura: Arp Jean Parte 1
Jean Arp / Hans Arp (16 September 1886 – 7 June 1966) was a German-French sculptor, painter, poet and abstract artist in other media such as torn and pasted paper.
Arp was born in Strasbourg. The son of a French mother and a German father, he was born during the period following the Franco-Prussian War when the area was known as Alsace-Lorraine (Elsass-Lothringen in German) after it had been returned to Germany by France. Following the return of Alsace to France at the end of World War I, French law determined that his name become Jean.
In 1904, after leaving the École des Arts et Métiers in Strasbourg, he went to Paris where he published his poetry for the first time. From 1905 to 1907, Arp studied at the Kunstschule, Weimar, Germany and in 1908 went back to Paris, where he attended the Académie Julian. In 1915, he moved to Switzerland, to take advantage of Swiss neutrality. Arp later told the story of how, when he was notified to report to the German embassy, he avoided being drafted into the army: he took the paperwork he had been given and, in the first blank, wrote the date. He then wrote the date in every other space as well, then drew a line beneath them and carefully added them up. He then took off all his clothes and went to hand in his paperwork. He was told to go home.
Arp was a founding member of the Dada movement in Zürich in 1916. In 1920, as Hans Arp, along with Max Ernst, and the social activist Alfred Grünwald, he set up the Cologne Dada group. However, in 1925 his work also appeared in the first exhibition of the surrealist group at the Galerie Pierre in Paris.
In 1926, Arp moved to the Paris suburb of Meudon. In 1931, he broke with the Surrealism movement to found Abstraction-Création, working with the Paris-based group Abstraction-Création and the periodical, Transition.
Throughout the 1930s and until the end of his life, he wrote and published essays and poetry. In 1942, he fled from his home in Meudon to escape German occupation and lived in Zürich until the war ended.
Arp visited New York City in 1949 for a solo exhibition at the Buchholz Gallery. In 1950, he was invited to execute a relief for the Harvard University Graduate Center in Cambridge, Massachusetts would also be commissioned to do a mural at the UNESCO building in Paris. In 1954, Arp won the Grand Prize for Sculpture at the Venice Biennale.
In 1958, a retrospective of his work was held at the Museum of Modern Art in New York City, followed by an exhibition at the Musée National d'Art Moderne, Paris, France, in 1962.
The Musée d'art moderne et contemporain of Strasbourg houses many of his paintings and sculptures.
Arp's first wife, the artist Sophie Taeuber-Arp, died in Zürich in 1943, and he subsequently married the collector Marguerite Hagenbach. Arp died in 1966, in Basel, Switzerland.
(When Arp spoke in German he referred to himself as "Hans", and when he spoke in French he referred to himself as "Jean". Many people believe that he was born Hans and later changed his name to Jean, but this is not the case.)
Hans (Jean) Arp (16 de septiembre de 1886- 7 de junio de 1966) fue un escultor, poeta y pintor francoalemán.
Biografía
Nació en Estrasburgo, durante el breve período siguiente a la guerra franco-prusiana, cuando la zona era conocida como Alsacia-Lorena, después de haber sido devuelta a Alemania por parte de Francia. Luego de que el territorio fuera reincorporado a Francia nuevamente, al término de la Primera Guerra Mundial, las leyes francesas determinaron que su nombre sería Jean y no Hans.
En 1904, después de asistir a la Escuela de Artes y Oficios en Estrasburgo, fue a París, en donde publicó por primera vez sus poesías. Desde 1905 hasta 1907 estudió en la Kunstschule (Escuela de Arte) de Weimar, Alemania y en 1908 regresó a París en donde asistió a la Académie Julian En 1915 se mudó a Suiza, para aprovechar la neutralidad suiza. Arp más tarde contó la historia de cómo, cuando le notificaron que debía presentarse a la embajada alemana, evitó ser reclutado para el ejército: tomó el papeleo que le dieron y, en el primer espacio, escribió la fecha. Después puso la fecha en todo el resto de espacios en blanco, luego trazó una línea por debajo y cuidadosamente las sumó. Entonces se quitó toda la ropa y marchó con los papeles en la mano. Le dijeron que se marchara a casa.
Arp fue miembro fundador del movimiento Dadá en Zúrich en 1916. En 1920, como Hans Arp, junto a Max Ernst, y el activista social Alfred Grünwald, estableció el grupo dadá de Colonia. Sin embargo, en 1925 su obra apareció también en la primera exposición del grupo surrealista en la Galerie Pierre de París.
De este mismo año es su libro, conjunto con El Lissitzky sobre «Los ismos en el arte».
Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. Su poesía se incluye dentro del movimiento surrealista. En 1926, Arp se traslada al suburbio de Meudon en París. En 1931, rompe con el movimiento surrealista y funda la Abstracción-creación, trabajando con el grupo parisino Abstracción-creación y editando en la revista Transition.
A partir de los años treinta y hasta su muerte, escribió y publicó ensayos y poesía. En 1942, huyó de su casa en Meudon escapando de la ocupación alemana y vivió en Zurich hasta el final de la guerra.
Arp visitó la ciudad de Nueva York en 1949 para presentar una exposición individual en la Galería Buchholz. En 1950, se le ofreció el realizar un relieve para el Graduate Center de la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts y se le encargó el mural del edificio de la Unesco en París. En 1954 Arp ganó el Gran Premio de escultura de la Bienal de Venecia.
En 1958 se presentó una muestra retrospectiva de sus trabajos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a la que siguió una exposición en el Museo de Arte Moderno de París, en 1962.
El Musée d'Art moderne et contemporain de Estrasburgo, conserva muchas de sus pinturas y esculturas.
Posters: Russia. Stalin period. Part 1
Si vamos para atrás revisando la historia, podemos decir que el arte del póster al servicio de la política, termina convirtiéndose en un arte criminal.
If we go back to review the history, we can say that the art of poster at the service of politics, ends up becoming an art criminal.
Music: Chinese drums. 十八羅漢鼓
Cualquier Argentino notará aquí, en uno de los momentos propuestos, compases muy similares a los del malambo.
Music: 香港中樂團 Hong Kong Chinese Orchestra - Eroica. YouTube Symphony
This orchestra is fabulous. Showing us the beauty that Chinese instruments has.
Great overall spirit at the level of the best orchestras in the world.
The
I refer both to Western classical music as the east.
Orchestras like this are a bridge of love connecting cultures.
Esta orquesta es fabulosa. Mostrándonos la belleza que los instrumentos Chinos tienen.
Grandioso espíritu de conjunto, en el nivel de las mejores orquestas del mundo.
Me refiero tanto a la música clásica de occidente como la de oriente.
Orquestas así son un puente de amor uniendo culturas.
Painter: Rosetti. Dante Gabriel Part 1
A Vision of Fiammetta
A Sea Spell
Aurelia
Before the BattleDante Gabriel Rossetti (clic here Wiki) (12 May 1828 – 9 April 1882) was an English poet, illustrator, painter and translator. He was one of the founders of the Pre-Raphaelite Brotherhood in 1848 and was later to be the main inspiration for second generation of artists and writers influenced by the movement. He was also a major precursor of the Aesthetic movement.
Rossetti's art was characterised by its sensuality and its medieval revivalism. His early poetry was influenced by Keats. His later poetry was characterised by the complex interlinking of thought and feeling, especially in his sonnet sequence The House of Life.
Rossetti's personal life was closely linked to his work, especially his relationships with his models and muses Elizabeth Siddal and Jane Morris.
Blessed BeatriceDante Gabriel Rossetti (clic aquí Wiki) (Londres, 12 de mayo de 1828 – Birchington-on-Sea, Kent, 10 de abril, 1882) fue un poeta, ilustrador, pintor y traductor inglés.
Hijo de un erudito emigrado italiano, Gabriele Rossetti, D. G. Rossetti nació en Londres, Inglaterra y recibió el nombre de Gabriel Charles Dante Rossetti. Su familia y amigos lo llamaban "Gabriel", pero en sus publicaciones ponía primero el nombre de Dante, debido a sus resonancias literarias. Era hermano de la poetisa Christina Rossetti y del crítico William Michael Rossetti, y fue uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita, junto con John Everett Millais y William Holman Hunt.
Desde muy temprana edad, mostró un gran interés en la literatura. Como todos sus hermanos, aspiraba a ser poeta. Sin embargo, también deseaba pintar, habiendo mostrado un gran interés en el arte italiano medieval. Estudió con Ford Madox Brown, con quien mantuvo una estrecha relación a lo largo de su vida. Estudió idiomas en el King’s College y posteriormente en la Royal Academy.
Después de la exposición de la obra de Holman Hunt La víspera de Santa Inés, Rossetti buscó la amistad de Hunt. La pintura ilustraba un poema de un autor por entonces poco conocido, John Keats. El primer poema de Rossetti, The Blessed Damozel era una imitación de Keats, así que creyó que Hunt podría compartir sus ideales artísticos y literarios. Juntos desarrollaron la filosofía de la Hermandad de los prerrafaelitas. Rossetti estuvo siempre más interesado en la parte medieval del movimiento que en la moderna. Estaba publicando traducciones de Dante y otros poetas italianos medievales, y su arte también buscaba adoptar el estilo de los primitivos renacentistas italianos.
Las primeras grandes pinturas de Rossetti muestran algunas de las cualidades realistas del movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta su primer lienzo inspirado en los antiguos pintores italianos, La infancia de la Virgen. Al año siguiente pinta Ecce ancilla Domini!, una representación de la Anunciación que exaltaba la pureza. Es una interpretación moderna de la Virgen María y de la Anunciación, en la que María es representada como una adolescente indiferente y atemorizada, pálida no tanto por candor espiritual cuanto por consunción. Destaca el uso del cabello pelirrojo, señal de sensualidad para el decadentismo y el simbolismo. La presencia del lirio y de la cortina azul entre los tonos blancos son elementos ulteriores que añaden contenido simbólico a la pintura. Su obra es intensamente mística y primitiva, acercándose al eclecticismo de los nazarenos alemanes. Su pintura incompleta Found (1854) fue la única dedicada a la vida moderna. Representaba a una prostituta, sacada de la calle por un pastor que era su antiguo enamorado. Sin embargo, Rossetti progresivamente prefirió imágenes simbólicas y mitológicas a las realistas. Esto también puede predicarse de su poesía posterior.
Aunque lo apoyó John Ruskin, las críticas que en el año 1850 recibieron sus pinturas hicieron que se retirara de las exposiciones públicas y se dedicara sobre todo a la acuarela, que podían venderse en privado. Tomaba como asunto preferido los textos de Dante, en particular de laVida nueva, que había traducido al inglés, y de la La muerte de Arturo de sir Thomas Malory. Sus visiones de las historias artúricas y del diseño medieval también inspiraron a sus nuevos amigos de aquel tiempo, como William Morris y Edward Burne-Jones.
Estas tendencias se acrecentaron debido a ciertos acontecimientos de su vida privada, en particular por la muerte de su esposa, Elizabeth Siddal, quien se suicidó ingiriendo láudano después de dar a luz a un niño muerto. Rossetti cayó en la depresión y enterró la mayor parte de sus poemas inéditos en la tumba de su esposa, en el cementerio de Highgate. Idealizó su imagen como la Beatriz de Dante en un buen número de pinturas, como El sueño de Dante ante la muerte de su amada (1856) y en Beata Beatrix (1863), obra que marca el camino del pintor hacia una mayor ornamentación y simbolismo; esta pintura alegórica alude a la muerte de su mujer. Representa a Elizabeth en una pose lánguida y sensual, con su cabello rojo natural recogido en un peinado deshecho; sobre sus manos se está posando una paloma roja, símbolo de espiritualidad, que porta en el pico una ramita alusiva al láudano. A sus espaldas, una escena difusa representa a dos personajes, quizá Dante y Virgilio. El complejo simbolismo del retrato es aún fuente de debate entre los críticos.
Dejó la Hermandad Prerrafaelita en 1863, pero mantuvo su mismo estilo pictórico en obras posteriores: La novia (1865), La mujer de la ventana, El vestido de seda azul (1868), May Morris (1872), La doncella herida (1879), Ensueño (1880), La pía (1881) y Juana de Arco (1882). Monna Vana (1866) es el arquetipo de la feminidad decadente, el sujeto de la pintura es una mujer de belleza sensual y andrógina que se cepilla el pelo rojo rodeada de composiciones florales. La rosa es la flor decadentista por excelencia. Pintó varias veces el mito de Proserpina o Perséfone, raptada por el Hades, dios de los infiernos y que tuvo que liberarla, pero con la condición de que no comiera nada en el regreso; Hades la engañó para que comiese seis semillas de granada, fruto de los muertos, que la obligaban a volver seis meses cada año, uno por cada semilla. La diosa es representada según un canon común al romanticismo y al simbolismo: la mezcla de belleza y muerte se indica con el pelo negro y una pose sensual de mujer fatal. En su mano, la granada alude al mito y también, en clave simbólica, a la muerte y la sangre.
Su pintura influyó en el desarrollo del movimiento simbolista europeo. Rossetti representaba a las mujeres obsesivamente estilizadas. Tendía a retratar a su nueva amante, Fanny Cornforth como el epitome del erotismo físico, mientras que otra de sus amantes, Jane Burden, esposa de su socio de negocios William Morris, la idealizaba como una diosa etérea.
Durante este tiempo, Rossetti empezó a obsesionarse con animales exóticos, y en particular con los wombats. Con frecuencia pedía a sus amigos que se encontraran con él en la “Guarida del wombat”, en el zoo de Londres en Regent's Park, y allí pasaría muchas horas. Finalmente, en septiembre de 1869 adquirió su primera mascota de wombat. Este, que vivió poco tiempo y al que llamó “Top”, a menudo lo llevaba a la mesa, y se le permitía dormir en el centro de la mesa durante las comidas. De hecho, se dice que inspiró al lirón de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.
Los amigos de Rossetti consiguieron que exhumara los poemas de la tumba de su esposa y los publicara: Poems (Poemas, 1870); fueron muy controvertidos y atacados como el epítome de la “escuela de la poesía carnal”. Ofendía su erotismo y sensualidad. Un poema, Nuptial Sleep (Sueño nupcial), describía a una pareja que se quedaba dormida después del sexo. Esta era parte de la secuencia de sonetos de Rossetti The House of Life (La casa de la vida), una serie de poemas que trazaban el desarrollo físico y espiritual de una relación íntima. Rossetti describe la forma de soneto como el “monumento al momento”, pues busca contener los sentimientos de un momento fugaz, y reflejar su significado. Este fue el mayor logro literario de Rossetti. En 1881 publicó Ballads and Sonnets (Baladas y sonetos). Rossetti también típicamente escribió sonetos para sus pinturas, tales como Astarte Syriaca. Como diseñador, trabajó con William Morris para producir imágenes para vidrieras y otros elementos decorativos.
Hacia el final de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido, oscurecido por su drogadicción y su creciente inestabilidad mental, posiblemente empeorada por su reacción a los salvajes ataques de la crítica sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus últimos años retirado, como un recluso. Murió en Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra.