solitary dog sculptor: 02/20/15

viernes, 20 de febrero de 2015

Poesia: Silvina Ocampo - Las caras - Las huellas - Lecciones de la metamorfosis - Links

Las caras

Las caras de los hombres que en mi vida he encontrado
me persiguen y viven adentro de mi espíritu.
Las caras de los hombres que he encontrado en mi vida
me miran y me abruman.
Podría dibujarlas pero nunca me atrevo.
Algunas tienen cuerpos y llevan en las manos
anillos y collares, flores de terciopelo,
algunas son mansiones, son jardines, son ríos,
algunas son un viaje, una playa, un desierto.
Algunas son de mármol, algunas son fenicias,
algunas son romanas, griegas y perniciosas
con los rasgos borrados.
Algunas tienen penas, muchas penas algunas,
y largas cabelleras que lloran en el viento.
Algunas son horribles, casi siempre me advierten
que un peligro me acecha.
Algunas tienen horas marcadas en los ojos
y son como clepsidras,
me despiertan de noche.
Algunas me quisieron
y movieron los labios para decir mi nombre.
Algunas no entendieron nunca lo que les dije
ni supieron por qué las miré largamente.
Algunas son anónimas
llevan frutas y fuentes, manos de terracota,
como las estaciones.
Algunas se arrodillan, buscan algo en la tierra.
Algunas como pájaros siempre estiran el cuello.
Algunas se inclinaron
y escribieron sus nombres sobre mi corazón
sin que yo lo advirtiera.
Algunas fueron mías, algunas se alejaron
y perdieron su sexo, su virtud y su candor;
fueron como la imagen
del infierno en el mundo
que tratamos, en vano, de olvidar.
Algunas fueron deidades
que no olvidaré nunca.

Las huellas

A orillas de las aguas recogidas
en la luz regular del suelo unidas
como si juntas siempre caminaran,
solas, parecería que se amaran,
en la sal de la espuma con estrellas,
sobre la arena bajo el sol las huellas
de nuestros pies desnudos
tan lejanos, y mudos.
Dejando una promesa dibujada
nuestra voz entretanto ensimismada
se divide en el aire y atraviesa
la azul crueldad de la naturaleza
mientras solos cruzamos
la playa y nos hablamos.

Lecciones de la metamorfosis

Nube que miras en lo alto del cielo
mi condición humana y modificas
las formas de tu cuerpo y de tus caras:
si alguna vez he visto deshacerse
tu cuerpo de caballo o de sirena,
tus ojos y tu pelo cruel de Erinia,
tus vírgenes perdidas con un ángel
entre las sombra de una playa inmensa,
el velero que se hunde en la tormenta
o un frágil ciervo entre las rosas de oro
de un antiguo poniente indescifrable;
si alguna vez he visto desmembrarse
un reino donde no gobierna nadie,
un templo en que quedaron misa rodillas
prosternadas al pie de un muro blanco,
tan blanco que hasta el sol pierde su faz,
sabrás que sos mi lecho cuando duermo,
que tus lecciones de metamorfosis
he querido seguir hasta la muerte
entregándote toda mi esperanza.

Links

Poesia: Silvina Ocampo - A veces te contemplo en una rama... - Al rencor - Bio data Link

Silvina Ocampo - Cuando perdida vago entre sombrias... - Dialogo - El perro Okinamaro - El sueño recurrente

Poesia: Silvina Ocampo - En tu jardín secreto hay mercenarias... - Envejecer - La llave maestra - Links

Poesia: Silvina Ocampo - La vida infinita - La vision - Links

Poesia: Silvina Ocampo - Las caras - Las huellas - Lecciones de la metamorfosis - Links

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Music: Paul Hindemith - Konzertmusik Op 50 (Concert Music for String Orchestra and Brass) - New Philharmonia Orchestra - Carlo Maria Giulini (Conductor) - Bio data - Links

Paul Hindemith
Germany

Paul Hindemith - Konzertmusik, Op 50 - Giulini

Paul Hindemith
Konzertmusik, Op 50
Concert Music for String Orchestra and Brass, Op 50

00:00 Part I - Massig schnell, mit Kraft
08:52 Part II - Lebhaft - Langsam

New Philharmonia Orchestra
Carlo Maria Giulini, conductor

London, November 1969

Paul Hindemith (16 November 1895 – 28 December 1963) was a German composer, violist, violinist, teacher and conductor. Notable compositions include his song cycle Das Marienleben (1923) and opera Mathis der Maler (1938).

Life and career

Born in Hanau, near Frankfurt am Main, Hindemith was taught the violin as a child. He entered Frankfurt's Hoch’sche Konservatorium, where he studied violin with Adolf Rebner, as well as conducting and composition with Arnold Mendelssohn and Bernhard Sekles. At first he supported himself by playing in dance bands and musical-comedy groups. He became deputy leader of the Frankfurt Opera Orchestra in 1914, and was promoted to leader in 1917. He played second violin in the Rebner String Quartet from 1914. In 1921 he founded the Amar Quartet,[1] playing viola, and extensively toured Europe.

In 1922, some of his pieces were played in the International Society for Contemporary Music festival at Salzburg, which first brought him to the attention of an international audience. The following year, he began to work as an organizer of the Donaueschingen Festival, where he programmed works by several avant garde composers, including Anton Webern and Arnold Schoenberg. In 1927 he was appointed Professor at the Berliner Hochschule für Musik in Berlin.[2] Hindemith wrote the music for Hans Richter's 1928 avant-garde film Ghosts Before Breakfast (Vormittagsspuk), although the score was subsequently lost, and he also acted in the film.[3] In 1929 he played the solo part in the premiere of William Walton's Viola Concerto, after Lionel Tertis, for whom it was written, turned it down.

During the 1930s he made a visit to Cairo and several visits to Ankara where (at the invitation of Mustafa Kemal Atatürk) he led the task of reorganizing Turkish music education and the early efforts for the establishment of the Turkish State Opera and Ballet. Towards the end of the 1930s, he made several tours in America as a viola and viola d'amore soloist.

Hindemith's relationship to the Nazis is a complicated one. Some condemned his music as "degenerate" (largely based on his early, sexually charged operas such as Sancta Susanna), and in December 1934, during a speech at the Berlin Sports Palace, Germany’s Minister of Propaganda Joseph Goebbels publicly denounced Hindemith as an "atonal noisemaker."[4]

Other officials working in Nazi Germany, though, thought that he might provide Germany with an example of a modern German composer, as by this time he was writing music based in tonality, with frequent references to folk music; the conductor Wilhelm Furtwängler's defense of Hindemith, published in 1934, takes precisely this line.[5]

The controversy around his work continued throughout the thirties, with the composer falling in and out of favor with the Nazi hierarchy; he finally emigrated to Switzerland in 1938 (in part because his wife was of partially Jewish ancestry).[6]

In 1935, the Turkish government commissioned Hindemith to reorganize that country's musical education, and, more specifically, to prepare material for the "Universal and Turkish Polyphonic Music Education Programme" for all music-related institutions in Turkey, a feat which he accomplished to universal acclaim.[citation needed]

This development seems to have been supported by the Nazi regime: it may have got him conveniently out of the way, yet at the same time he propagated a German view of musical history and education. (Hindemith himself said he believed he was being an ambassador for German culture.)

Hindemith did not stay in Turkey as long as many other émigrés. Nevertheless, he greatly influenced the developments of Turkish musical life; the Ankara State Conservatory owes much to his efforts. In fact, Hindemith was regarded as a "real master" by young Turkish musicians and he was appreciated and greatly respected.[7]

In 1940, Hindemith emigrated to the United States. At the same time that he was codifying his musical language, his teaching and compositions began to be affected by his theories, according to critics like Ernest Ansermet.[8] Once in the U.S. he taught primarily at Yale University where he had such notable students as Lukas Foss, Graham George, Norman Dello Joio, Mel Powell, Yehudi Wyner, Harold Shapero, Hans Otte, Ruth Schonthal, Leonard Sarason, and Oscar-winning film director George Roy Hill. During this time he also gave the Charles Eliot Norton Lectures at Harvard, from which the book A Composer's World was extracted (Hindemith 1952). Hindemith had a long friendship with Erich Katz, whose own compositions were influenced by him.[9]

He became an American citizen in 1946, but returned to Europe in 1953, living in Zürich and teaching at the university there. Towards the end of his life he began to conduct more, and made numerous recordings, mostly of his own music.

An anonymous critic writing in Opera magazine in 1954, having attended a performance of Hindemith's Neues vom Tage, noted that "Mr Hindemith is no virtuoso conductor, but he does possess an extraordinary knack of making performers understand how his own music is supposed to go".[10] He was awarded the Balzan Prize in 1962.

After a prolonged decline in his physical health (though he kept composing until almost the last), Hindemith died in Frankfurt from pancreatitis at the age of 68.

Music

Style

Hindemith is among the most significant German composers of his time. His early works are in a late romantic idiom, and he later produced expressionist works, rather in the style of early Arnold Schoenberg, before developing a leaner, contrapuntally complex style in the 1920s. This style has been described as neoclassical,[11] but is very different from the works by Igor Stravinsky labeled with that term, owing more to the contrapuntal language of Johann Sebastian Bach and Max Reger than the Classical clarity of Mozart.[citation needed]

The new style can be heard in the series of works called Kammermusik (Chamber Music) from 1922 to 1927. Each of these pieces is written for a different small instrumental ensemble, many of them very unusual. Kammermusik No. 6, for example, is a concerto for the viola d'amore, an instrument that has not been in wide use since the baroque period, but which Hindemith himself played. He continued to write for unusual groups throughout his life, producing a trio for viola, heckelphone and piano (1928), 7 trios for 3 trautoniums (1930), a sonata for double bass and a concerto for trumpet, bassoon, and strings (both in 1949), for example.

Around the 1930s, Hindemith began to write less for chamber groups, and more for large orchestral forces. In 1933–35, Hindemith wrote his opera Mathis der Maler, based on the life of the painter Matthias Grünewald. This opera is rarely staged, though a well-known production by the New York City Opera in 1995 was an exception (Holland 1995). It combines the neo-classicism of earlier works with folk song. As a preliminary stage to the composing of this opera, Hindemith wrote a purely instrumental symphony also called Mathis der Maler, which is one of his most frequently performed works. In the opera, some portions of the symphony appear as instrumental interludes, others were elaborated in vocal scenes.

Hindemith wrote Gebrauchsmusik (Music for Use)—compositions intended to have a social or political purpose and sometimes written to be played by amateurs. The concept was inspired by Bertolt Brecht. An example of this is his Trauermusik (Funeral Music), written in January 1936. Hindemith was preparing the London premiere of Der Schwanendreher when he heard news of the death of George V. He quickly wrote this piece for solo viola and string orchestra in tribute to the late king, and the premiere was given that same evening, the day after the king's death.[12] Other examples of Hindemith’s Gebrauchsmusik include:

    the Plöner Musiktage (1932): a series of pieces designed for a day of community music making open to all inhabitants of the city of Plön, culminating in an evening concert by gymnasium students and teachers.
    a Scherzo for viola and cello (1934), written in several hours during a series of recording sessions as a "filler" for an unexpected blank side of a 78 rpm album, and recorded immediately upon its completion.
    Wir bauen eine Stadt ("We’re Building a City"), an opera for eight-year-olds (1930).

Hindemith's most popular work, both on record and in the concert hall, is probably the Symphonic Metamorphosis of Themes by Carl Maria von Weber, written in 1943. It takes melodies from various works by Weber, mainly piano duets, but also one from the overture to his incidental music for Turandot (Op. 37/J. 75), and transforms and adapts them so that each movement of the piece is based on one theme.

In 1951, Hindemith completed his Symphony in B-flat. Scored for concert band, it was written for the U.S. Army Band "Pershing's Own". Hindemith premiered it with that band on April 5 of that year.[13] Its second performance took place under the baton of Hugh McMillan, conducting the Boulder Symphonic Band at the University of Colorado. The piece is representative of his late works, exhibiting strong contrapuntal lines throughout, and is a cornerstone of the band repertoire. Hindemith recorded it in stereo with members of the Philharmonia Orchestra for EMI in 1956.

Musical system

Most of Hindemith's music employs a unique system that is tonal but non-diatonic. Like most tonal music, it is centered on a tonic and modulates from one tonal center to another, but it uses all 12 notes freely rather than relying on a scale picked as a subset of these notes. Hindemith even rewrote some of his music after developing this system. One of the key features of his system is that he ranks all musical intervals of the 12-tone equally tempered scale from the most consonant to the most dissonant. He classifies chords in six categories, on the basis of how dissonant they are, whether or not they contain a tritone, and whether or not they clearly suggest a root or tonal center. Hindemith's philosophy also encompassed melody—he strove for melodies that do not clearly outline major or minor triads.

In the late 1930s, Hindemith wrote a theoretical book The Craft of Musical Composition (vol. 1, Hindemith 1937), which lays out this system in great detail. He also advocated this system as a means of understanding and analyzing the harmonic structure of other music, claiming that it has a broader reach than the traditional Roman numeral approach to chords (an approach that is strongly tied to the diatonic scales). In the final chapter of Book I, Hindemith seeks to illustrate the wide-ranging relevance and applicability of his system in analysis of music examples ranging from the early origins of European music to the contemporary. These analyses include an early Gregorian melody, and compositions by Guillaume de Machaut, J. S. Bach, Richard Wagner, Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg, and finally, a composition of his own.

His piano work of the early 1940s Ludus Tonalis contains twelve fugues, in the manner of Johann Sebastian Bach, each connected by an interlude during which the music moves from the key of the last fugue to the key of the next one. The order of the keys follows Hindemith's ranking of musical intervals around the tonal center of C.

One traditional aspect of classical music that Hindemith retains is the idea of dissonance resolving to consonance. Much of Hindemith's music begins in consonant territory, progresses rather smoothly into dissonance, and resolves at the end in full, consonant chords. This is especially apparent in his Concert Music for Strings and Brass.

Complete in:
http://en.wikipedia.org/wiki/Paul_Hindemith

Paul1 Hindemith (Hanau, 16 de noviembre de 1895 – Fráncfort del Meno, 28 de diciembre de 1963) fue un compositor, violinista, violista y musicólogo alemán.

Hindemith está considerado como uno de los compositores más influyentes de la primera mitad del siglo XX; su aportación creadora abarca desde el expresionismo hasta el neoclasicismo, y su enorme catálogo comprende todos los géneros musicales. Ajeno y contrario al espíritu del romanticismo y el culto a la genialidad, Hindemith reivindica la artesanía y la práctica musical: “Es mejor hacer música que escucharla”2

Vida y trayectoria

Primeros años y éxito internacional

Hindemith comenzó a tocar diversos instrumentos desde niño, bajo la supervisión de su padre, que tenía formación musical y quería hacer de él un músico de éxito. A causa de la falta de recursos de su familia, tuvo que tocar en teatros, cafés, tabernas y bandas de música para mantenerse y pagar sus estudios en el Conservatorio de Francfort,3 donde estudió violín con Adolf Rebner, y dirección de orquesta, armonía y composición con Bernhard Sekles y Arnold Mendelssohn. En 1914, antes de cumplir los veinte años, fue nombrado violinista en la Ópera de Fráncfort, y ascendido a concertino en 1917; en 1921 funda el Cuarteto Amar, en el que toca la viola, y con el que recorrerá Europa. Hacia esa época, Hindemith comienza a ser conocido en los círculos de música de vanguardia, tras presentar algunas obras en la Sociedad Internacional de Música Contemporánea en el Festival de Salzburgo. Desde 1923 trabaja en la organización del Festival de Donaueschingen, donde se estrenan obras de música contemporánea, incluyendo a compositores como Arnold Schönberg o Anton Webern. En poco tiempo, Hindemith se convierte en una de las grandes promesas de la música alemana del período de entreguerras y en el símbolo de la vanguardia musical de la República de Weimar,4 adquiriendo fama de provocador e iconoclasta. Durante los años 20 se consolida su prestigio como compositor, contrae matrimonio con Gertrude Rottenberg, y es nombrado profesor de Composición en la Escuela Superior de Música de Berlín (1927).5

Madurez y últimos años

A lo largo de los años 30 se multiplican los compromisos internacionales: además de sus giras como solista de viola, desde 1935 visita Ankara invitado por el gobierno de Mustafa Kemal Atatürk con la tarea de organizar la educación musical en Turquía. Pero su situación es cada vez más complicada en la Alemania nazi: se ve obligado a renunciar a su trabajo docente en Berlín, su música es considerada como “degenerada”, y a pesar de sus esfuerzos por llegar a una situación conciliadora e incluso la intercesión de Wilhelm Furtwängler,6 los ensayos de su ópera Matías el pintor precipitan su salida de Alemania: Hindemith se exilia a Suiza en 1938, y se establece en Estados Unidos en 1940. En su etapa norteamericana, Hindemith da clases en la Universidad de Yale, donde ejerce una importante labor pedagógica; obtiene la nacionalidad estadounidense en 1948, pero desde 1953 vive en Suiza ejerciendo como profesor en la Universidad de Zúrich. Sin abandonar nunca la composición, se dedica también en sus últimos años a la dirección de orquesta y la grabación de discos. En 1962 obtiene el Premio Balzan. Tras un progresivo deterioro de su salud, muere en 1963 a los 68 años.

Música
Los primeros años, el expresionismo y la Nueva Objetividad

Hindemith comenzó a componer bajo la influencia académica de Johannes Brahms y Max Reger, pero si sus primeras obras aún muestran influencia del postromanticismo, como en sus dos primeros Cuartetos de cuerda (1915-1918), con algo del impresionismo, como en las diversas sonatas para violín, viola o violonchelo que forman el op. 11 (1918-1919), pronto se convierte en anti-romántico y rechaza toda música con implicaciones emocionales, evocadoras o sentimentales.

Durante los años 20 la música de Hindemith puede relacionarse con el expresionismo musical por su empleo de la atonalidad, aunque por su espíritu se convierte en el principal representante musical de la Nueva Objetividad, que rechaza la expresión de estados de ánimo, se centra en la dimensión social y participativa de la música, y emplea como efectos de distanciamiento tanto la parodia y el humor como algunos elementos musicales del jazz o el Cabaré. El carácter provocador7 de algunos de los libretos empleados por el compositor en esta época será la causa de diversos escándalos, como en el caso de sus tres óperas breves: Asesino, esperanza de las mujeres (1919, con libreto del pintor Oskar Kokoschka), Nusch-Nuschi (1920) o Sancta Sussana (1921), llamadas óperas expresionistas, por ser quizá sus obras más cercanas a esta corriente. También próximas al expresionismo están dos composiciones para voz y orquesta de cámara, Die Junge Magd (La muchacha, sobre poemas de Georg Trakl) y Des Todes Tod (La muerte de la Muerte), ambas de 1923, además de los Cuartetos de cuerda números 3 (1920) y 4 (1921). Más cerca de la Nueva Objetividad están la Suite “1922” para piano, el ballet Der Dämon (1923) o el Cuarteto de cuerda número 5 (1923).

El ciclo de canciones La vida de María (1923), basado en unos poemas de Rainer Maria Rilke de carácter místico y meditativo, es el punto de inflexión hacia un neoclasicismo que irá dominando la obra de Hindemith en el transcurso de los años 20, si bien en muchos aspectos su música continuará siendo todavía fiel a los principios de la Nueva Objetividad

El neoclasicismo

El neoclasicismo de Hindemith debe entenderse en un sentido amplio, abierto hacia toda la música del pasado, especialmente la música medieval, renacentista y barroca; de hecho, Johann Sebastian Bach será la referencia más importante de las creaciones de Hindemith a partir de este momento. Aunque la adopción de las formas y el contrapunto de la música barroca no le impide emplear usualmente motivos de jazz, ni la composición de música utilitaria, sí que hay una tendencia a componer obras más ambiciosas, especialmente en el terreno de la ópera: Cardillac (1926), una historia trágica ambientada en el París del siglo XVII, o Noticias del día (1930), ópera cómica que alcanzó un gran éxito y que influyó en obras de Arnold Schönberg (Von heute auf Morgen) y de Alban Berg (Lulú).

En el género orquestal, comenzó a escribir cada vez más para grandes conjuntos sinfónicos, con obras como el Concierto para Orquesta (1925), que inaugura este nuevo género, o el Concierto Filarmónico (1932). Son muy características una serie de obras compuestas entre 1922 y 1930, que aparecen agrupadas en dos series: Kammermusik (música de cámara) y Konzertmusik (música concertante). Cada una de las obras incluidas en estos dos grupos está escrita para un conjunto instrumental distinto, siendo algunas de estas agrupaciones completamente atípicas; por ejemplo, la Kammermusik número 6, es un concierto para viola de amor, un instrumento que había caído en desuso desde finales de la época barroca; la Konzertmusik op.49 (1930), para piano, dos arpas e instrumentos de metal, aporta también una sonoridad muy diferente, y la Konzertmusik op. 50 (1930), para cuerdas y metal, es una de sus obras más características. También dentro de este periodo, el oratorio Das Unaufhörliche (De lo incesante, 1931) anticipa las dimensiones y la trascendencia de las obras de su última época.

Desde 1933 a 1935 trabajó en su obra más conocida, la ópera Mathis der Maler (‘Matías el pintor’), basada en la vida del pintor renacentista alemán Matthias Grünewald, sobre un libreto propio. Es considerada su mayor logro en el terreno de la ópera, y la sinfonía Mathis der Maler, basada en pasajes instrumentales de la misma, es una de sus obras más apreciadas.8 Mathis der Maler, las complejas circunstancias políticas que rodean su composición y estreno, y la plausible identificación de Hindemith con su protagonista, el pintor en la época turbulenta de las revueltas campesinas del siglo XVI, determinan un corte en la trayectoria musical de Hindemith, tras el que el compositor se replantea tanto su lenguaje musical como sus ideas sobre la relación entre el artista y la sociedad.

Última época

A partir de Mathis der Maler la tonalidad clásica aparece cada vez con más frecuencia como principio constructivo,9 en obras como las Danzas Sinfónicas (1937), el ballet Nobilissima Visione (1938), la Sonata para piano a cuatro manos (1938), la Sinfonía en Mi bemol (1940), Los cuatro temperamentos para piano y cuerda (1940), la Metamorfosis sinfónica sobre temas de Carl Maria von Weber (1943) o el concierto para viola titulado Der Schwanendreher (1935)10

La tonalidad aparece ahora considerada como ley natural inevitable11 en su obra teórica Arte de la composición musical (1938). Su importante obra para piano Ludus Tonalis (1942) contiene doce fugas, a la manera de Johann Sebastian Bach, conectadas entre sí por un interludio durante el que la música se desplaza desde la tonalidad de la fuga precedente a la de la fuga siguiente.

Los ataques del compositor contra el dodecafonismo pondrán de manifiesto su abandono de la vanguardia musical, especialmente tras la importancia que cobra el serialismo integral después de la Segunda Guerra Mundial. Aunque algunos consideran que el compositor ha caído en el academicismo12 y es acusado de conservador y retrógrado,13 en sus últimos años encontramos en su música una síntesis entre este neoclasicismo tardío y un lenguaje cerebral, trascendente y algo enigmático.

Entre las obras más destacables de esta época están el Réquiem When lilac´s last in the dooryard Bloom´d (La última vez que florecieron las lilas en el huerto, 1946) sobre poemas de Walt Whitman, el ballet Hérodiade (1944), concebido como un recitado orquestal, sobre el poema de Stéphane Mallarmé, considerado por el propio Hindemith como una de sus mejores obras,14 la Sinfonía Serena (1946), el Octeto (1958), una de sus obras de cámara más importantes, los dos últimos Cuartetos de cuerda (1943-1946),la sinfonía Armonía del Mundo (1953), extraída de la ópera del mismo nombre sobre la vida del astrónomo Johannes Kepler, la Sinfonía Pittsburg (1958), o la ópera La larga cena de Navidad (1961), sobre un texto de Thornton Wilder.

Estilo musical

A pesar de los cambios estilísticos en la trayectoria de Hindemith, hay una serie de elementos que encontramos en todas las etapas: el carácter contrapuntístico de su música, el empleo de melodías cromáticas y modales, el uso de formas musicales antiguas (variación, pasacalle, fuga, sonata barroca, etc), el rechazo del desarrollo temático, las formas cíclicas y otros recursos formales propios del siglo XIX, el empleo del patrón rítmico conocido como motorik de carácter regular y constante, una sonoridad vigorosa y una gran destreza artesanal en el uso de los instrumentos, los grupos de cámara y la orquesta.

En su primera etapa, la música de Hindemith se caracteriza por la atonalidad ocasional, la investigación rítmica o el uso de la tonalidad y la politonalidad con carácter paródico o burlesco.

Sin embargo, en su madurez y últimos años, el sistema de Hindemith será tonal aunque no diatónico, empleando la modulación para desplazarse de un centro tonal a otro, pero utilizando las doce notas de la escala cromática. En su Arte de la composición musical (1938), justificación teórica de su nuevo sistema, realiza una clasificación de todos los intervalos en función de su tendencia, y aunque Hindemith emplea en su música todos los intervalos, por disonantes que sean, éstos se resuelven siempre de acuerdo con la consonancia tonal. Ludus Tonalis (1942) es un ejemplo de este uso de la nueva clasificación de los intervalos.

El contraste estilístico entre ambas etapas de su producción parece indicar que a lo largo de los años 30 se produjo una ruptura en el desarrollo musical de Hindemith.15 A partir de este momento la música de Hindemith adquiere un carácter trascendente y conservador que está completamente ausente en su etapa anterior, y que quizá toma como modelo al último Bach.16 Esta discontinuidad se muestra, además, en la revisión sustancial de muchas de sus obras anteriores más importantes, como sucede con Das Marienleben o Cardillac.17

Música utilitaria

El interés de Hindemith por la artesanía y la práctica musical le llevan a la creación de Gebrauchsmusik (música utilitaria), término empleado por él para designar a la música con una función social definida, como puede ser el propósito pedagógico o la interpretación por grupos de aficionados. Un ejemplo puede ser la cantata Plöner Musiktag (Jornada musical en Plön)(1932), compuesta para un campamento infantil en el que las actividades de un día entero se organizan alrededor de la música.18 Hindemith compone gran cantidad de música utilitaria durante su primer período; más adelante Hindemith criticará el empleo de este término y prestará poca atención a sus obras utilitarias, aunque seguirá componiendo con fines pedagógicos concretos.

Influencia y valoración posterior

Aunque la influencia de Hindemith ha sido considerable, su valoración posterior es aún contradictoria, en parte a causa de los cambios y contradicciones en su evolución artística, y también a causa del elevado número de obras que compuso, lo que dificulta una visión de conjunto.

A pesar de la gran influencia de Hindemith durante la primera mitad del siglo XX, a partir de la Segunda Guerra Mundial el mundo musical europeo empieza a relegar su obra a un pasado ya superado, a medida que va aumentando la influencia de la Segunda Escuela de Viena, en especial Arnold Schönberg y Anton Webern.19

Por otra parte, a partir de ese momento la crítica musical progresista, asociada primero al dodecafonismo y luego al serialismo integral, tiende a considerar que la producción tardía de Hindemith no está a la altura de sus obras tempranas,20 o incluso juzga negativamente toda su producción ateniéndose a su evolución final.21 22

La posición moderada de Hindemith dentro de la vanguardia y su regreso a posturas más tradicionales han perjudicado su valoración posterior, al ser considerado demasiado conservador desde la vanguardia radical, pero también un compositor demasiado complejo y cerebral para convertirse en un clásico. Aunque sólo un pequeño número sus obras se interpreta en el repertorio habitual, en la actualidad hay un creciente interés por su producción operística y orquestal23

Por otra parte, la música de cámara de Hindemith es bien conocida y valorada por los músicos profesionales, en especial por las sonatas compuestas a partir de 1935 para todos los instrumentos de la orquesta y piano, que se interpretan con frecuencia por su exploración de las posibilidades técnicas de cada instrumento dentro de un lenguaje avanzado.

Entre los discípulos de Hindemith están Harald Genzmer, Lukas Foss, Hans Otte, Norman Dello Joio. La música de Hindemith también influyó en la obra de numerosos compositores como Elliott Carter, Michael Tippett o Walter Piston.

Obras principales

Obras escénicas

    Asesino, esperanza de las mujeres (Mörder, Hoffnung der Frauen) op. 12, ópera en un acto con libreto de Oskar Kokoschka (1919)
    Das Nusch-Nuschi op. 20, obra en un acto para teatro de marionetas con libreto de Franz Blei (1920)
    Sancta Sussana op. 21, ópera en un acto con libreto de August Stramm (1921)
    El demonio (Der Dämon) op. 28, ballet en dos actos (1922)
    Cardillac op. 39, ópera en tres actos con libreto de Ferdinand Lion (1926). Versión revisada de 1952.
    Ida y vuelta (Hin und Zurück) op. 45a, escena con música sobre texto de Marcellus Schiffer (1927)
    Noticias del día (Neues vom Tage), ópera cómica en tres partes con libreto de Marcellus Schiffer (1930). Versión revisada de 1954.
    Matías el pintor (Mathis der Maler), ópera en siete cuadros con libreto del compositor (1935).
    Nobilissima Visione, leyenda coreográfica en seis cuadros (1938)
    La armonía del mundo (Die Harmonie der Welt), ópera en cinco actos con libreto del compositor (1957)
    La larga cena de Navidad (The long Christmas dinner), ópera en un acto con libreto de Thornton Wilder (1961).

Obras orquestales

    Concierto para Orquesta op. 38 (1925)
    Música concertante (Konzertmusik) op. 41 para banda de viento (1926)
    Música concertante (Konzertmusik) op. 50 para cuerdas y metal (1930)
    Concierto Filarmónico (Philarmonisches Konzert) (1932)
    Sinfonía Matías el Pintor (Mathis der Maler symphonie) (1934)
    Danzas Sinfónicas (Sinfonische Tänze) (1937)
    Nobilissima Visione, suite orquestal (1938)
    Sinfonía en Mi bemol (1940)
    Los cuatro temperamentos (Die Vier Temperamente), tema con variaciones para piano y cuerdas (1940).
    Amor und Psyche, obertura de ballet (1943)
    Metamorfosis sinfónica sobre temas de Carl Maria von Weber (1943)
    Symphonia Serena (1946)
    Sinfonietta en Mi (1950)
    Sinfonía La Armonía del Mundo (Die Harmonie der Welt symphonie) (1951)
    Sinfonía Pittsburg (1958)

Conciertos

    Música concertante (Konzertmusik) op. 48 para viola y orquesta de cámara (1930)
    Música concertante (Konzertmusik) op. 49 para piano, dos arpas y metal (1930)
    Der Schwanendreher, concierto para viola y pequeña orquesta (1935)
    Música fúnebre (Trauermusik), para viola y orquesta de cuerda (1936)
    Concierto para violín y orquesta (1939)
    Concierto para violonchelo y orquesta (1940)
    Concierto para piano y orquesta (1945)
    Concierto para clarinete y orquesta (1947)
    Concierto para trompa y orquesta (1949)
    Concierto para trompeta, fagot y orquesta de cuerda (1949)
    Concierto para instrumentos de madera, arpa y orquesta (1949)
    Concierto para órgano y orquesta (1963)

Música de cámara

    Cuarteto de cuerda número 1 en Do mayor op. 2 (1915)
    Cuarteto de cuerda número 2 en fa menor op. 10 (1918)
    Cuarteto de cuerda número 3 en Do mayor op. 16 (1920)
    Stretta op. 17 para piano (1920)
    Cuarteto de cuerda número 4 op. 22 (1921)
    Suite para piano 1922 op. 26 (1922)
    Sonata para viola sola op. 25 nº 1 (1922)
    Quinteto para clarinete y cuerda op. 30 (1923)
    Cuarteto de cuerda número 5 op. 32 (1923)
    Música de cámara concertante, (Kammermusik) para diversos instrumentos, números 1 a 7 (1922-1930).
    Sonata para flauta y piano (1936)
    Tres sonatas para piano (1936)
    Dos sonatas para órgano (1937)
    Cuarteto para clarinete, violín, violonchelo y piano (1938)
    Sonata para piano a cuatro manos (1938)
    Sonata para viola y piano (1939)
    Sonata para arpa (1939)
    Sonata para violín y piano (1939)
    Ludus Tonalis, estudios de contrapunto, organización tonal y piano (1942)
    Cuarteto de cuerda número 6 (1943)
    Cuarteto de cuerda número 7 (1945)
    Sonatas para diversos instrumentos y piano (1935-1955)
    Octeto (1958)

Música vocal

    Tres canciones para soprano y orquesta op. 9 (1917)
    La muerte de la Muerte (Des Todes Tod) op. 23 nº 1, canciones para voz, 2 violas y 2 violonchelos, sobre poemas de Eduard Reinache (1922)
    La joven doncella (Die junge Magd) op. 23 nº 2, canciones para voz, flauta, clarinete y cuarteto de cuerda, sobre poemas de Georg Trakl (1922)
    La vida de María (Das Marienleben) op. 27 canciones sobre poemas de Rainer María Rilke (1923). Versión revisada de 1948.
    De lo incesante (Das Unaufhörliche), oratorio para coro y orquesta sobre texto de Gottfried Benn (1931)
    Canciones alemanas (1942)
    Canciones francesas (1942-44)
    Canciones inglesas (1942)
    15 motetes (1940-1961)
    La última vez que florecieron las lilas en el huerto (When lilacs last in the dooryard bloom'd), réquiem sobre un poema de Walt Whitman (1946)
    Misa para coro mixto a capella (1963)

Commplete en:
http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Hindemith

Music: Paul Hindemith - Konzertmusik Op 50 (Concert Music for String Orchestra and Brass) - New Philharmonia Orchestra - Carlo Maria Giulini (Conductor) - Bio data - Links

viernes, 20 de febrero de 2015

Poesia: Silvina Ocampo - Las caras - Las huellas - Lecciones de la metamorfosis - Links

Music: Paul Hindemith - Konzertmusik Op 50 (Concert Music for String Orchestra and Brass) - New Philharmonia Orchestra - Carlo Maria Giulini (Conductor) - Bio data - Links

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